画家としてのコルビジェ

建築家コルビジェを支えた「画家ジャンヌレ」の顔

ル・コルビジェという名を聞いて、ほとんどの人がサヴォア邸やロンシャン礼拝堂といった近代建築の数々を思い浮かべるでしょう。

しかし彼自身は、生涯にわたって絵を描き続け、画家としての仕事を建築と同じように大切にしていました。

本名シャルル＝エドゥアール・ジャンヌレであった彼は、パリに移住した初期の頃から、絵画の制作を自己表現の核として位置づけていました。

彼が建築家として世界的な名声を得た後も、その斬新な空間設計のベースには、常にキャンバスの上で格闘し、形と色を配置する「画家としての卓越した視覚トレーニング」が存在していたのです。

オザンファンと共に提唱した「ピュリスム」運動の理念

1918年、第一次世界大戦の荒廃から復興へと向かうパリで、若きコルビジェは前衛画家アメデ・オザンファン（Amédée Ozenfant）と出会いました。

彼らは、当時主流だったピカソやブラックによるキュビスムを「装飾的で複雑になりすぎている」と批判しました。

そして、機械時代の到来にふさわしい、より厳格で合理的な芸術運動「ピュリスム（Purism、純粋主義）」を提唱しました。

ピュリスムの絵画は、ボトル、グラス、皿といった日常の工業用既製品をモチーフにし、それらを幾何学的な純粋なラインと静かなトーン（パステルカラーやアースカラー）で構成しました。

この「無駄を削ぎ落とし、本質的なプロポーションを追求する」というピュリスムの美学は、そのまま彼の初期の「白い建築」の論理的な出発点となったのです。

毎朝絵を描くこと：アトリエでのクリエイティブな日課

パリのポルト・モリトール近くの自邸兼アトリエ。コルビジェは、ここでの生活において極めて厳格なルーティンを守っていました。

彼は毎朝、アトリエに一人でこもり、誰からの面会も受け付けず、静寂の中でひたすら絵を描き、コラージュを作り、彫刻の構想を練りました。

そして午後になると、スタッフが待つセーヴル通り35番地の事務所へと向かい、建築の打ち合わせを行いました。

彼にとって絵を描く行為は、仕事というよりも「精神をリフレッシュし、空間のインスピレーションを得るための最も純粋なクリエイティブな瞑想」だったのです。

キャンバスの上で形を重ね、光をあて、影を作る日課が、彼の頭脳の中に新しい３次元の空間構成を湧き上がらせるエンジンとなっていました。

立体的な造形感覚が建築の彫刻性へ与えた影響

コルビジェの後期の作品（ロンシャン礼拝堂やチャンディーガルの裁判所など）で見られる、コンクリートを自由自在に変形させた彫刻的で有機的なフォルム。

これらは、彼が1930年代以降、ピュリスムの静的な直線の世界から離れ、女性の肉体や貝殻、石などのアモルファス（不定形）な自然界の形を絵画に取り込み始めた時期と完全に対応しています。

彼は、二次元の絵画の中で「複数の形態が互いに干渉し合い、空間に詩的な緊張感を生み出す構図」を実験しました。

そしてそれを、コンクリートという可塑性の高い近代的な新素材を用いることで、実際の三次元の建物へと昇華させました。

彼の建築が単なる四角い箱（機能主義）に終わらず、見る人を圧倒するエモーショナルな力強さ（芸術性）を宿しているのは、彼が画家として形と光の彫刻的な関係を誰よりも理解していたからにほかなりません。

絵は本名、建築はペンネーム

1920年に「ル・コルビュジエ」というペンネームを使い始めてからも、彼はしばらくの間、絵を本名のジャンヌレで発表していました。

建築家ル・コルビュジエと、画家ジャンヌレ。二つの名前を使い分けていたのです。

絵にもル・コルビュジエの名を使うようになるのは、1920年代の終わりごろからとされます。名前の使い分けは、二つの仕事への向き合い方の違いを物語っているのかもしれません。

ピュリスムの終わりと、新しい題材

1925年ごろ、オザンファンとの協働が終わると、コルビュジエの絵は大きく変わり始めます。

瓶やグラスに代わって、人の体、貝殻、骨、石ころなどが画面に現れるようになりました。輪郭はやわらかな曲線になり、色も強く、豊かになっていきます。

この変化は、浜辺で拾った自然の物を集め、描き続けた習慣と深く結びついていました（コルビュジエと自然の形）。

エナメルで描いた扉

コルビュジエは、建物の扉そのものを、絵の画面として使うこともありました。

ロンシャンの礼拝堂の大きな扉には、彼が描いた色鮮やかな絵が、焼き付けのエナメルで表されています。チャンディーガルの議事堂の正面の扉にも、大きな絵が描かれました。

絵が建物の一部になり、建物が絵の舞台になる。晩年のコルビュジエは、絵画と建築の境をますます取り払っていきました（ロンシャンの礼拝堂）。

「遊牧民の壁画」としてのタペストリー

コルビュジエは、タペストリーを「ミュラルノマド（遊牧民の壁画）」と呼んだことで知られます。

壁に描いた絵は建物から動かせませんが、織物の壁画なら、巻いて持ち運び、引っ越し先の壁にも掛けることができる、という考えです。

近代の住まいにふさわしい、動かせる壁画。タペストリーへの取り組みには、住まいの変化を見つめた建築家らしい発想がありました。

日本で作品に触れる

日本でも、コルビュジエの絵画や版画が紹介される機会があります。建設会社の大成建設は、コルビュジエの絵画のまとまったコレクションを持ち、美術館の展覧会などで紹介してきました。

国立西洋美術館では、建物そのものが、コルビュジエの作品として鑑賞できます（国立西洋美術館の見どころ）。

展覧会の予定は、各美術館の情報で確かめてください。建物と絵をあわせて見ると、コルビュジエの仕事の全体像が見えてきます。

タペストリーや版画に昇華した晩年の芸術世界

晩年のコルビジェは、油絵だけでなく、巨大なタペストリー（壁掛け織物）や版画、リトグラフの制作にも情熱を注ぎました。

チャンディーガルの高等裁判所などのために、彼はインドの職人たちの手を借りて、彼自身が描いた鮮やかで原始的なシンボルマーク（太陽、手、牡牛など）を織り込んだ巨大なタペストリーを設計しました。

絵画から始まった彼の芸術の旅は、建築という三次元の実用空間を包み込むトータルなアートへと還元されていったのです。

巨匠が遺した数多くのカラフルな絵画やグラフィック作品は、モダンデザインの背後にある彼の熱い芸術的野心と詩的な感性の結晶です。

そして、私たちが彼の建築の本質をより深く理解するための、最も貴重な鍵であり続けているのです。

この純粋主義の精神は、私たちの視覚文化を根底から変革し続けるアートの原点です。